Más sobre Creación

De nuevo un escrito interesante (y no tan demoledor) de Avelina Lésper titulado CREACIÓN Y DEGENERACIÓN.

Del proceso creativo

El martes 28 de enero de este año la crítica de arte mexicana Avelina Lesper, escribió un bello texto llamado Habitar el Vacío. Creo que esta reflexión es aplicable a todos los procesos de creación.

Octubre es el mes de las artes plásticas. Cultura al Aire

Entre el yo y el otro

La obra de Ernesto Neto, expuesta en el Salón (inter)nacional de artistas 43SNA en el MAMM, permite experimentar una especie de túnel velado, transitable, habitable... lúdico, simple y majestuoso a la vez. Metáfora que ilustra el diálogo posible entre el afuera y el adentro, entre el yo y el otro, entre el que mira y el que es mirado. Texturas, color, sensación. Espectador en obra. Cuerpos más que miradas, tactos, pieles, "interfaces". Muro sin muro. Filtro. Ida y vuelta. No hay otra opción que el retorno de la obra por el mismo camino transitado. Juego interminable entre el adentro y el afuera. Parecido al lapsus, parecido al chiste, parecido al sueño.

Omar Rayo en el ITM

En la obra de José Ignacio Vélez Puerta

Un paseo por la obra de José Ignacio Vélez Puerta, presentada en la edición 43 del Salón (inter) Nacional de Artistas (43SNA), Medellín- Colombia, Museo de Arte Moderno.

Las aventuras artísticas de Germán Díaz. Hermosas....

No pude resistirme a compartir el hermoso proyecto de Germán Díaz ("el zanfonista cardiofónico), que llegó a mis manos a través de la revista cultural online creada por Manuel Cuéllar y titulada EL ASOMBRARIO & Co. He buscado y hay otras referencias y otros tipos de trabajos de este gran músico investigador.

Creo que en este proyecto hay una confluencia hermosa de muchas cosas, entre ellas, creatividad, investigación, saber y pasión por la música, gusto estético, juego y juguete, comunicación, diseño... Para la muestra este botón...

Sobre el proyecto METABODY

A través de la red Linkedin, en el grupo e-pedagogía, encontré una pregunta bastante sugerente de Cristóbal Suárez, que intenta relacionar el proyecto METABODY con los MOOC. (Dice, a partir de una nota de prensa: "Metabody, un proyecto que lucha en contra de la creciente homogenización cultural ¿aporta esto ideas para representar los MOOC?".

Esta pregunta, y las del proyecto, sugieren bastantes asuntos relacionadas con lo estético y lo cultural pues desde ahí se podrían explorar cuestiones como los colores de las pieles, las miradas, las risas y las sonrisas, los ritmos y expresiones de los cuerpos, los cabellos y los peinados, los vestidos y las modas, las manos, los pies, las sexualidades, las discapacidades… dolores, emociones, percepciones, edades, identidades, soledades, subjetividades y colectividades... avatares… organismos vs cuerpos, cuerpos vivos y cuerpos muertos... cuerpos medicalizados, controlados, intervenidos. Carencias y completudes… Cuerpos vistos y teorizados por las diferentes disciplinas… Cuerpos danzas, cuerpos palabras, cuerpos pinturas, cuerpos músicas.

¿Cuerpos y cuerpos en red sin pensarse ni sentirse cuerpos… creyéndose sólo discurso en “curso”?. ¿Borramientos de lo cultural? ¿Será que si? ¿Será que la mediación de las tecnologías de información y comunicación generan o proponen estos borramientos? ¿Y acaso no es así en la vida diaria, por ejemplo en los escenarios educativos o científicos? ¿No es así para nuestros grandes investigadores educativos?

Tal vez el proyecto sólo está proponiendo que lo estético y cultural, la pregunta por la subjetividad, emerja con la misma fuerza que los discursos de las "ciencias duras". Tal vez es lo que ha pasado siempre... el arte y la estética, las múltiples realizaciones de las culturas, las lecturas de los contextos, las diferencias, las carencias... no ha sido preocupación de los diferentes profesionales, quizás porque se ha pensado que al lado de las grandes disciplinas estas preguntas no son importantes o relevantes para educar, para formar, para vivir con otros... Se persigue demasiado el sueño de lo estandarizado, lo homogéneo y lo regulado porque de esa manera las cosas se pueden medir y evaluar más fácilmente.

Tal vez las TIC lo que están posibilitando es que muchos profesionales de muchas áreas diferentes son ahora capaces de hacer cierto tipo de preguntas que antes estaban bajo la lupa de los antropólogos, los artistas, los profesionales de la cultura y uno que otro filósofo, sociólogo o psicólogo. Que bueno que este proyecto ponga los dedos en heridas milenarias... Que bueno que en los MOOC puedan los investigadores y los "cibercursoturistas" comenzar a preguntarse por otras cosas y ver muchas otras más allá de los dis-cursos, es decir, de los contenidos.

"Arte, Ante La Fragilidad De La Memoria"

La Universidad de Antioquia desde su Instituto de Filosofía y la Facultad de Artes tiene programado para este año el IX Seminario Nacional Teoría e Historia del Arte con el tema: Arte ante la fragilidad de la memoria.

Video de Beatriz González

Quiero tener presente este video de Beatriz González junto con la nota que me encontré y que fue colgado en la red por ProyectandoMemoria el 26/10/2010. La nota afirma que es: "Un documental en forma de monólogo que entrelaza la vida de una gran pensadora, de una obra aguda y crítica, y el devenir de una nación. Diego Garcia-Moreno lleva más de veinticinco años dedicado a la creación documental explorando a través de personajes, espacios, objetos y símbolos el sentido de nuestro tiempo, nuestro territorio Colombia y de la humanidad que nos ha correspondido vivir. Partiendo de simples elementos compuso la memorable trilogía Colombia Elemental (1992), Colombia Horizontal (1998) y Colombia Con-sentido (2000). Realizó la sorprendente biografía de un pequeño gran hombre, el sacristán de Las Castañuelas de Notre Dame (2001) y al introducirse en el fascinante espacio de El corazón (2006) nos coloca ante otro objeto que todos compartimos, sufrimos, veneramos y a menudo olvidamos, el símbolo que reposa en el corazón de los símbolos. Tras haber explorado la creación artística contemporánea colombiana con ¿Y como para qué de arte de qué? (2008) y ¡Danza, Colombia! (2009) ahora nos entrega su largometraje documental Beatriz González ¿Por qué llora si ya reí?, un conmovedor monólogo a tres voces que entrelaza la vida, obra y país de la gran artista plástica Beatriz González."

Beatriz González en el MAMM

Excelente exposición de la obra de la artista colombiana Beatriz González en el MAMM: "Beatriz González. La comedia y la tragedia. Retrospectiva 1948-2010".
En mi tesis doctoral escribí que esta artista colombiana, investigadora, curadora y crítica de arte hizo un tránsito bastante interesante desde la pregunta por "el gusto" hasta la pregunta por el "malestar" y el dolor social.
Es a lo latente y no a lo manifiesto a lo que ella atiende en su obra. Ella sintetiza un gusto popular y da a ver la peculiaridad de un medio cultural que se refleja a sí mismo, como en un cuarto de espejos infinitos, en el marasmo de noticias confusas de la prensa escrita o las noticias locales o nacionales. Y es "jugando" con este marasmo de palabras e imagenes, de sonidos y de silencios, que vira hacia la decisión personal y profesional de dar visibilidad a la realidad desgarrada del país enfatizando en detalles de tal finura que alcanzan a compartir mucho el territorio del lapsus o el mecanismo mismo del sueñoo y hasta de las pesadillas; la artista detiene su mirada en los gestos del dolor para mostrar que hay "algo" en el otro que no se puede pasar de largo. Ese algo toca con lo ético, con las respuestas de las que habla Mélich y que metaforizan el duelo colectivo. Ese algo es el sufrimiento que atraviesa esta sociedad y que ella decide poner en obra en sus pinturas de gran o de pequeño formato.

MDE11

Con curiosidad y entusiasmo me fui a ver la exposición del Museo de Antioquia en el marco del MDE11 por una motivación que me generó un amigo. Sólo puedo decir que me encantó encontrarme con algunas de las obras que a mi modo de ver son bastante especiales. Pensando, como diría un colega "en clave de Facultad de Educación" me encontré dos obras en especial que creo que bien podrían ser consideradas por los "maestros en formación" y por supuesto por aquellos que los "forman".
Una de las obras se titula LA CLASE de la tailandesa ARAYA RASDJARMREARNSOOK (1957). Se trata de una clase magistral, amena entre otras cosas por el tema que trata y la manera como la profesora (artista) va llevando el hilo de su discurso, dirigida a seis cadáveres estrictamente bien dispuestos en un espacio blanco "impecable" y desprovisto de cualquier color "vívido". Los cadáveres alumnos parecen listos para "escuchar" atentamente las sabias palabras de su maestra. Ella imparte su clase independientemente de si sus "alumnos" o "discípulos" están vivos o muertos. Parece un acto universal que señala un mismo gesto de ser maestro, con un modo de pararse frente al negro tablero limpio que lentamente va llenandose de letras-tiza. Por un momento no supe si ella era tailandesa, española, chilena o colombiana. Daba igual... su forma de hacer docencia se parece demasiado entre unos y otros. Insisto en que era agradable seguir el hilo del discurso y el entramado general de la obra.
Sin embargo asumí la obra como una crítica bastante especial hacia el acto educativo. La maestra vestía una batola larga y negra como su tablero (pizarra). Siempre estuvo de frente a sus alumnos lista para responder incluso las preguntas que sus inermes alumnos no habían formulado. Como en un eterno monólogo la maestra se pregunta y se responde a sí misma sin buscar otra alteridad que su propio pausado discurso. No sucede lo mismo con la otra video intalación en la que la misma maestra (artista) ya no imparte una "clase" sino un "seminario". La disposición de los alumnos tiene un poco más de movimiento. Hay cercanía de ellos al tablero y distancia de ella respecto a su rigidez y compostura corporal. El sólo nombre ha modificado su posición frente a los alumnos y al espacio. También el discurso tiene más de si, más subjetividad. Su vestido es blanco, igual al espacio forrado de tela blanca y a las sábanas que cubren a sus muertos. También el seminario es sobre la muerte. pero algo cambia entre clase y seminario. El cuerpo de la profesora se involucra. En fin... excelente trabajo el de esta artista justo en una convocatoria como la del MDE11 que es para "aprender y enseñar".

Este puede ser vinculado a la maravillosa propuesta del artista colombiano Paulo Licona, de Tunja, con su obra LA ESCUELITA DEL MAL (TIZÓDROMO) 2011. Aquí el tablero se convierte en juego, en cancha, en patio de recreo, en Tizódromo, en una especie de grafiti, en posibilidad de insulto. Y la tiza es paso, golosa y cuadro a la vez, piscina, tan anuncio como composición para un insulto al "profesor hijueputa". Hay que pasar por la tiza para ver los tableros pisos, tableros paredes, tableros casi techos, tableros juegos. Y hay que des-sacralizarla, desmaterializarla, volverla a su esencia del "polvo eres", es decir, hay que tomar la decisión de pisarla o saltarla y esto pone al espectador ante una especie de dilema frente a la vieja tiza de polvo interminable e invasor que logra calar hasta la mirada del ser maestro. Tal vez por eso aún se escucha que se le nota la tiza a los maestros. Hay tres piscinas de tizas que separan los dos salones que componen la exposición. De un lado hay un piso-tablero y del otro... sólo hay baldosa de granito con fondo blanco. Es relativamente fácil el paso del piso-tablero a la baldosa clara. No sucede lo mismo cuando el cuerpo, acompañado de la percepción engañosa, intenta devolverse cruzando las piscinas de tizas hacia el fondo verde profundo del piso-tablero. La percepción juega un juego extraño pues genera un poco de inseguridad para el cuerpo al tener que hundirse en esta extraña "profundidad". ¿Tendrá algo que ver con la sacralidad de un espacio tantos años dedicado a la "enseñanza" de los conocimientos?

Creo que hay que ver esta exposición en clave de "Facultad de Educación".

Utsushi

Anoche tuve la oportunidad de ver y sentir en el Teatro Metropolitano de Medellín, la majestuosa obra Utsushi, de la compañía Sankai Juku, fundada por Ushio Amagatsu. No conocía este trabajo, jamás había escuchado nada de esta obra y de ninguna otra de este artista. Impresionante, bella, profunda, conmovedora, estética... Es un acercamiento al dolor y a la emoción humana en un marco de extrema belleza en cada uno de los "cuadros" corporales creados y repetidos con precisión por los artistas.  ¿Cuantas imágenes son capaces de crear en la lentitud del gesto y del movimiento? ¿Cuántas en ese blanco imperativo y en ese juego de luces que permiten ver los espejos de la alteridad y acercar al espectador al vacío y a la nada?
¡Bellísimo trabajo!

Busqué referencias más allá del catálogo y encuentro citas como las siguientes: 

• "Luego de los bombardeos nucleares a Hiroshima y Nagasaki apareció una técnica de danza llamada butho. Nació porque Kazuo Ohno y Tatsui Hijikata se conmovieron con la tragedia de las personas quemadas que se movían por la ciudad con profundo dolor. Desde ahí crearon esta danza que representa el cuerpo de la postguerra y refleja ese sufrimiento. Se le ha denominado la "danza de la oscuridad" y se baila de forma lenta, sin interrupciones de movimiento". (Mario Alberto Duque. En: El Colombiano, Medellín, sep 20 de 2011)

• "A través de esta manifestaciones artísticas, los japoneses han buscando aminorar el dolor del horror vivido por las bombas atómicas, comenzar de nuevo, reconciliarse con la vida, con el mundo y aprender a perdonar.  Es una forma de profundizar en la naturaleza humana, su sentido común, la serena universalidad, incluso la crueldad y la brutalidad..." (Sergio Villamizar. En: La Opinión, Manizales, sep 17 de 2011)